Brandon Routh volverá a ser Superman en ‘Crisis en Tierras Infinitas’: el crossover del Arrowverso tendrá dos hombres de acero

Brandon Routh volverá a ser Superman en 'Crisis en Tierras Infinitas': el crossover del Arrowverso tendrá dos hombres de acero

Si hay algo que ha demostrado el Arrowverso a lo largo de los años es que no se avergüenzan en hacer fan-services y guiños al espectador y fan de superhéroes de toda la vida. Y en esta ocasión no han desaprovechado la ocasión y han anunciado que Brandon Routh interpretará a Superman durante 'Crisis en Tierras Infinitas', el crossover del Arrowverso que se emitirá a finales de año.

Un movimiento bastante lógico si tenemos en cuenta que el argumento de 'Crisis en Tierras Infinitas' gira en torno a tierras paralelas a merced de un gran villano. Lo que no nos han aclarado es exactamente si este será el Superman del Donnerverso (recordemos que lo de Bryan Singer era una especie de continuación de las películas de los setenta) o si se tratará de un personaje diferente.

Lo que sí que sabemos es que en estos episodios también participará Tyler Hoechlin, el Superman de 'Supergirl'. Por su parte, Routh protagoniza 'Legends of Tomorrow' como Ray Palmer, Átomo y, a mi juicio, es un papel que le viene más como anillo al dedo que el de 'Superman Returns'.

'Crisis en Tierras Infinitas' nos llevará a través de cinco episodios repartidos en 'Arrow', 'Flash', 'Supergirl', 'Legends of Tomorrow' y 'Batwoman' que se emitirán entre diciembre 2019 y enero de 2020. En España va a depender de cúando decidan estrenar cada una de estas series sus respectivas cadenas (SyFy, TNT y HBO España)... pero me temo un desajuste similar al del año pasado con 'Elseworlds'.

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Espeluznante tráiler de ‘Creepshow’: el reboot de la antología de Stephen King y George A. Romero ya tiene fecha de estreno

Madre mía, los pelos como escarpias se me han puesto con el tráiler de 'Creepshow', el esperado reinicio de la antología de terror y humor macabro ideada por Stephen King y George A. Romero. En esta ocasión es Greg Nicotero ('The Walking Dead') quien coordina seis episodios con dos historias cada una.

Junto al tráiler nos han anunciado la fecha de estreno de esta miniserie: 26 de septiembre. En España todavía no hay casa para esta antología, pero Shudder propiedad AMC por lo que hay opción de que se queden "en casa" (aunque sea en DARK o en Planet Horror, su plataforma orientada al amante del terror). Pero, como siempre, nunca se sabe.

Entre los responsables de estas historias (ya sea como guion o como relatista) tenemos a Joe Hill, Rob Schrab, John Harrison, Bruce Jones, Paul Dini, David J. Schow, Stephen King, Dave Bruckner, etc. Y delante de las cámaras tenemos un reparto con Tricia Helfer, David Arquette, Dana Gould, Adrienne Barbeau entre muchos otros.

Pues la verdad es que no sé si ha sido el factor nostalgia o qué pero me han entrado muchas ganas de ver esta nueva versión de 'Creepshow' y más al ver por ahí a mi querida Helfer. A ver en qué resulta esto.

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‘El rey león’: una deslumbrante exhibición visual que no emociona como la original

'El rey león': una deslumbrante exhibición visual que no emociona como la original

Para salir airoso de una tarea tan compleja como es rehacer una obra ya existente, uno de los requisitos indispensables que debería cumplir todo buen remake que se precie, al menos, a mi juicio, es desvincularse lo máximo posible del original para, aprovechando sus bases, ofrecer nuevas lecturas, aproximaciones temáticas y experiencias acordes a las sensibilidades del director responsable.

'El rey león' no es —ni será— el primero ni el último de una larga ristra de esos remakes fotocopia, a los que pertenecen rarezas como la 'Psicosis' de Gus Van Sant o la 'Funny Games' de Michael Haneke. Dos ejemplos en los que, al igual que en el caso que nos ocupa, se dedican a fusilar plano a plano a sus referentes; aportando como único atractivo un reparto renovado y un refinamiento formal.

La gran diferencia entre el último live-action de Jon Favreau para Disney tras la notable 'El libro de la selva' y las cintas mencionadas, es que su arrollador despliegue visual se revela como un arma de doble filo. Un caramelo envenenado que, siendo el mayor reclamo y la mayor virtud del largometraje, supone un palo en la rueda insalvable que minimiza la emoción hasta quedar a años luz del clásico animado que reinterpreta. 

La potencia, sin control...

Abrazar con una fidelidad casi enfermiza el filme de 1994, tanto en lo que respecta a la planificación como en lo referente a su historia, es una maniobre tan cobarde como astuta que permite a la nueva 'El rey león' apostar a caballo ganador. Porque si algo posee la obra de Roger Allers y Rob Minkoff, eso es una narrativa impecable que aguanta impertérrita el paso del tiempo y las revisiones. 

Favreau, consciente de esto, altera mínimamente el material original —alargando alguna escena para especiar más la acción e incluyendo un par de canciones inéditas—, conservando el inapelable carisma de los personajes y la esencia del drama shakespeariano que envuelve el relato. Todo permanece inalterable veinticinco años después, pero potenciado por unos avances tecnológicos que convierten 'El rey león' en un hito en la industria.

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Es imposible no quedarse boquiabierto con la descomunal exhibición de músculo generado por ordenador nada más arrancar la proyección, con una secuencia introductoria despampanante que pone la primera piedra de un espectáculo deslumbrante e hiperrealista en su tratamiento de escenarios y animales. Pero una vez superado el —enorme— impacto inicial, es cuando el CGI comienza a traslucir sus flaquezas.

Mientras la animación del clásico humanizó a las criaturas de la sabana, esta nueva versión opta por animalizarlas en un movimiento que, además de transformar el metraje en una producción digna de National Geographic —pese a la ausencia total de genitales—, merma la expresividad de los protagonistas y, junto a ella, el impacto emocional de algunos pasajes como la traumática muerte de Mufasa; ahora más inerte. 

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A excepción de los momentos encabezados por el dúo compuesto por Timón y Pumba, es precisamente en los momentos dramáticos, más sobrios, cuando 'El rey león' saca el mayor partido a su apuesta estilística —fantástico el número 'Be Prepared' e inmenso Chiwetel Ejiofor—. Por desgracia, el largo no termina de atreverse a explotar plenamente su cariz sombrío, lo cual, sumado al excesivo respeto por su fuente, impide que vuele con libertad y brinde un producto realmente novedoso y rompedor. 

No seré yo quien niegue haber disfrutado como un crío de 'El rey león' de Jon Favreau, de su impresionante poderío audiovisual y del atractivo de su historia y personajes. Pero si por algo se ha caracterizado Disney a lo largo de su historia —al menos en lo que respecta a sus producciones de animación 2D—, es por emocionar al respetable hasta exprimir sus corazones; cosa que este aséptico remake, con su inenarrable perfección, es incapaz de lograr.

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‘Utoya. 22 de julio’: un brillante survival que nos sumerge en el sobrecogedor atentado de 2011

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Una de las mayores virtudes que puede atesorar un largometraje y, a su vez, una de las más complicadas de llevar a cabo, es que su forma, su fondo y su narrativa remen en una misma dirección y se comporten como un todo. Entonces, y sólo entonces, se exprimirán los componentes dramáticos de su guión y se llegará al corazón del espectador.

No son pocos los filmes que alardean de una exhibición de músculo y ostentan auténticas virguerías técnicas y logísticas; pero de nada sirven las florituras formales si estas no refuerzan la historia ni complementan al tono y las lecturas de la misma. En esos casos, el recurso se queda reducido a un artificio vacuo que puede impactar, aunque no emocionar —precisamente, donde radica la clave del buen cine—.  

En 'Utoya. 22 de julio', Erik Poppe opta por articular el relato mediante un falso plano secuencia para sumergirnos en el infierno de 72 minutos que vivieron los supervivientes de la matanza perpetrada por Anders Breivik en la isla noruega. Una contrapartida igualmente notable a la aproximación de Paul Greengrass al incidente, que supone un sobrecogedor ejercicio de atmósfera en clave survival cuyo espectacular trabajo de cámara no sólo no ensombrece el conjunto, sino que lo enriquece hasta límites inesperados.

La técnica al servicio de la historia

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Con el inteligentísimo primer plano que sirve de pistoletazo de salida a 'Utoya. 22 de julio', en el que la protagonista rompe la cuarta pared por un momento al dirigirse directamente a cámara —ergo, al espectador—, el director pone todas las cartas sobre la mesa y declara sus intenciones. A partir de ese momento estamos inmersos de lleno en el horror que está a punto de desatarse. No hay salida y lo único que nos queda es acompañar al resto de personajes en un viaje asfixiante y demoledor.

Durante todo el metraje que transcurre en el suelo de Utoya, y de un modo de lo más inteligente, la cámara de Poppe adopta un lenguaje propio del found footage, pero sin la justificación narrativa que integra al operador dentro de la historia. En este caso, cámara y operador continúan siendo elementos ajenos a la historia, aunque interactúan como si estuviesen presentes en la matanza; reacciona al aterrador sonido de los disparos, tiembla, repta, se esconde, persigue a sus —nuestros— compañeros de viaje... todo en un enervante tiempo real. 

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Probablemente, el acierto más grande de 'Utoya. 22 de julio' es la forma en que, dentro de la visceralidad que envuelve cada uno de sus pasajes, no hay cabida para lo explícito. De este modo, se abraza el fuera de campo como principal generador de suspense y como catalizador de ese desconcierto que reinó durante la poco más de una hora que duró el ataque. El resultado es uno de los ejercicios más estresantes a los que nos hayamos podido enfrentar en los últimos años.

A la altura de las circunstancias están las fantásticas interpretaciones de un reparto que, pese a su juventud, deslumbra y transmite como el mejor de los veteranos. Una labor titánica, especialmente para la protagónica Andrea Berntzen, que mantiene una intensidad agotadora durante toda la función sin perder ni un instante el raccord emocional de su personaje, siempre al límite física y mentalmente

Con unos últimos minutos devastadores, de una dureza que, salvando las distancias, llevábamos sin ver desde 'La niebla' de Frank Darabont, 'Utoya. 22 de julio' es todo un golpe sobre la mesa —y sobre los estómagos del respetable— que filtra entre sus fotogramas un acertado mensaje sobre el peligro que encierra el ascenso de la extrema derecha en Europa. Una necesaria llamada de atención que arranca con las palabras que Kaja nos dedica mirando a cámara —"¿Escúchame, vale?"— antes de arrastrarnos junto a ella a su tormento particular.   

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